調性引力論 ❺ シェルについて

ガイダンス

今回は「新しい言葉を知る」回です。

またもコードとメロディの関連性について論じます。「アプローチ・ノート」の時よりもさらに細かい内容となっており、表現力を高めるうえでとてつもなく重要な話です。作曲の根本を成すコンセプトですから、ジャンルを問わず最重要です。


以前「アプローチ・ノート」という概念を紹介しました。ただ、2・4・6度の「濁り」をマスターするよりももっと先にしなければいけないことがあります。それは、基本である1・3・5・7度それぞれが持つ意味を理解することです。

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1・3・5度は、「和声的傾性」という観点から考えると、どれも「本来の傾性をほとんど無くす」効果を持っていて、差はほぼゼロです。じゃあメロディメイクのさい、どの度数をとっても音楽的に同一なのか? もちろん、そんなわけはない。

例えばコードがCのとき、メロディが「ド」ならそれはメロディが「ルートの響きを補強している」ということですし、メロディが「ミ」なら「3rdの響きを補強している」ということです。
メロディは人間にとって最も耳につきやすい部分なわけですから、そのメロディがどこの響きを補強するのかというのは、当然曲想に強い影響を与えます。だからこの「コードのルートからの位置」というのがとても重要で、それを前回「インコード・ディグリー」と名付けましたね。

#1.表質(Shell)

メロディの各音は、本来的に「カーネル」を備えているわけですけど、コードが鳴ることによってそこにさらなる役割、性質がプラスで上乗せされることになります。たとえば本来的に傾性の小さい音であっても、それがノンコードトーンになってしまうと、少し傾性が強まる。それは、付加的な性質が与えられているということです。

コードと傾性

メロディの元々の性質には「カーネル」という名前をつけましたけど、この「付加的な性質」にはまだ名前が付いていません。やっぱり名前がないとどうしても、今後の解説に差し支えます。また新しく、名前をつけるしかないのです。
自由派音楽理論では、そのような「インコード・ディグリーに応じてメロディに与えられた“付加的な性質・役割”」のことを「表質(Shell)」と呼ぶことにします。

…ちょっとここ数回で用語が渋滞してきたので、もう一度まとめましょう。

和名 原質 表質
洋名 カーネル
(Kernel)
シェル
(Shell)
意味 調の中心音からの相対的な距離によって生まれる役割や性質 コードのルートからの相対的な距離によって生まれる役割や性質
決定要素 スケール・ディグリー インコード・ディグリー

こうですね。学術っぽく言いたいのであれば「原質・表質」という言い方を使って、ちょっとアート風に語りたければ「カーネル・シェル」の方を使えばいいと思います。自由派は、言い方も自由。
文章でもう一度まとめると、こんな感じです・・・

曲中で中心音(Tonal Center)が確定すると、そこからの距離(Scale Degree)に応じて、各音は固有の性質と役割を帯びる。それが原質(Kernel)である。「傾性」はカーネルの代表的な要素。カーネルは、コードに関係なくメロディ各音が備えている。一方で、そこにコードが加わると、そのコードのルートからの距離(In-Chord Degree)に応じて、各音にはさらに性質が付加される。それが表質(Shell)である。原質と表質の複合によって、最終的なメロディの性質が決定する。

まあ正直言って、用語なんて覚えなくても良いのですよ。原理を理解しさえすればね。ただ目に見えない音響の世界を理解していくにあたって、こういう言葉があった方が頭の中で仕組みをイメージしやすく、スンナリ頭に入ってくるはずなのです。

メロディ一音一音が中心核(Kernel)を持っていて、そこにコードが重なることで、メロディは外側にもう一枚の殻(Shell)をまとい、より複雑な姿に進化する。コードによって、まとう殻の色形は異なる。メロディの仕組みを、そんな風にイメージしてほしいのです。

カーネルとシェル

#2.原質と表質

カーネルは、転調しない限りその音が永続的に持ち続ける、根本的・内的な性質です。対するシェルは、表層的・外的な性質。だって、コードをリハーモナイズするだけでシェルは変わってしまいますから

変わる・変わらない

コードが作り出すシェルは、メロディにとって「仮面」のような存在です。例えば主音はもうリーダーとしての務めから逃れることはできませんが、何か曲想が気に入らないという時に、コードを変えることで違うシェルに“着せ替え”してあげることはできます。

仮面

#3.シェルの違いを知る

そんなわけで、I章で「カーネル」についてはかなり深く理解しましたが、この「シェル」に関してはまだビギナーだったことが判明したわけです。メロディ理論の世界は広い。まずは基本である1・3・5度と、それからジャズでは同じく基本に含まれる7度がもつそれぞれのシェルの特徴を見ていきます。濁りの強い2・4・6度の特徴は理論的に高度なところなので、また後ほどにしましょう・・・。

Root Shellの特質

こちらはルートを中心にして作ったメロディラインの例です。コードが変わった頭は全てルートで統一しました。まだ比較対象が無いのでピンと来ないと思いますが、かなりストレートな響きがしています。

ルートは当然ながら和音の根っこを成す音であり、最も和音の性質を明確に反映します。ルートを用いると極めてストレートな響きを得ます。
たいていはベース(低音部)がルートを弾くので、それとユニゾンすることになりますね。そういった事情もあり、非常に明確である代わりに和音としての豊かな響きには欠けるので、その点を理解したうえで使う必要があります。

実際にルートの良さを活かした曲例を見てみましょう。

The Robots / Kraftwerk

ロボットがステージに立つというイかれたライヴ演出をしているのは、テクノの帝王クラフトワーク。こちらはその代表曲である「The Robots」です。
1:03から歌が始まりますが、メロディはほとんどベースラインとユニゾンしています。ロボットという感情のない存在、それを音楽的に表現するにあたって、「ルートからほとんど動かないメロディライン」というのはまさに情緒の排除であり、ぴったりの手法ですね。

Heartbreaker / Led Zeppelin

このサンプルの方はブリッジ部分なのですが、ギター・ベース・メロディの三者が全員でリフのフレーズをユニゾンしています。「このリフが最高なんだから、全員このラインでいいじゃん!」という潔さがいいですね。このストレートさは、他では出せない、ルート・シェルだけの特質です。

助演男優賞 / Creepy Nuts(R-指定&DJ松永)

ラッパーとDJによるユニットの曲。「Six Manで上等」から始まるサビ部分が特徴的で、ほとんどルートをなぞるような形でメロディが進んでいきます。ちょっとコミカルな曲で、ましてやHIP-HOPですから、こういう音楽は単調なシェルが痛快に聴こえたりするものです。先ほどのLed Zeppelinの例と同じですね。シンプルで飾りっ気ないのが曲のテーマとマッチしていて、クセになる魅力を生み出しています。MVもとてもシニカルで面白いですよ。

花束 / back number

1:14からのBメロ、「浮気しても言わないでよね」が、IImVIVImのコードのルートにピタっと沿ったメロディになっています。リズムも8分音符の連続が多く、かなり単純。 Aメロは逆に細かく動いて情緒的な作りになっているので、それとのコントラストが際立っていますね。
歌詞のセリフの子供っぽさと、ストレートなルート・シェルの質感が相性ぴったりって感じですね。

Adele / Rolling in the Deep


熱情的なサビの歌い出し、「We could have had it all」のロングトーンが、VImのコードにメロディも第VI音を伸ばすという、めちゃくちゃストレートなメロディになっています。
特に2周目「You had my heart inside of your hand / And you played it」のところは、VImVIVそれぞれでルートを歌うという、ルート3連発です。

この曲は、失恋ソングなのに一切メソメソせず、むしろ怒っているという変わったテーマの曲。ですからそのパワフルな感情を削がないという点で、ルートを中心にしたメロは最適と言えます。一切の回り道なしに、ストレートパンチでハートを殴りにきている感じですね。

200ギガあげちゃう

ソフトバンクのCMのやつです。冒頭のパートのメロディが最初から最後までずっとルートという、ポップスでは非常に珍しい例です。全く中身のない、学割を宣伝したいだけの曲ですから、余計な情緒は不要なわけですね。コードも IVIVV というパンクバンドのようなシンプルさ。
従来のポップスのメロディメイクの常識には反していますが、完全に”やりきっている”ので、曲の個性になっています。

楽天ラクマ CMソング

こちらもCMソング。おバカでおなじみのAKB川栄李奈が歌って踊っていますが、メロディはずっと単調なコードにルート・シェルです。だんだん見えてきたと思いますが、ルート・シェルは、シンプルだからこそインパクトがありますね。そしてロックさ、パンクさを演出するのにも適しています。

3rd Shellの特質


続いて3rdの場合。3rdは和音の長短を決定づける音であり、和音の響き、色合い、テクスチャを司る存在です。したがってこの音をメロディとして用いた場合には、コードの明るい・暗いといったサウンドを強く増幅させることになります
それは、端的に言えばメロディが情緒豊かになるわけですね。上の音源とルートの音源を聞き比べてみると違いは分かると思います。ですからバラードなどの場合、3rdの音を要所に挟みこむと非常に効果的です。

3rdのパワーで押し通した典型例です。「あの地平線輝くのはどこかに君を」までの一連の流れで、ずっとコードの変わり目はかならず3rdでメロディを乗せています。この強烈な哀愁は、3rdの力というわけ。
その後も3rdがポイントになる箇所が多いのですが、盛り上がる「父さんが」のところはルートです。ここのメリハリ、コントラストが絶妙で、このパートが非常に力強く感じる理由はそこにあります。

ジブリシリーズではこの3rdと暗いコード進行は定番で、「コクリコ坂から」の「さよならの夏」や、「魔女の宅急便」の「海の見える街」、それから「千と千尋の神隠し」の「あの夏へ」でも似たような構成が見られます。

こちら、「君を乗せて」と似ているなあと感じる人も多いはず。それは、コード進行が似ているだけでなく、シェルの構成が似ているのも要因のひとつなのです。
また2018年の映画「羊と鋼の森」のメインテーマも全く同じようなコード進行に同じようなシェル編成で作られていて、ちょっとココまで来ると、ワンパターンでやりすぎじゃないかという気もしますね😥

サラバ、愛しき悲しみたちよ / ももいろクローバーZ

サビのメロディがほとんどずっと3度を中心に作られています。

楽譜「サラバ、愛しき悲しみたちよ」 サビのメロディ

上楽譜はサビ部分のメロディとベースを抜き出したものですが、赤マルでつないだセットが3度の関係です。ここまで統一感のある構成になっていると、もはやクラシック古典派の領域ですね。速いテンポでピアノ弾きすると、モーツァルトみたいです。

こんな風にね。ちなみに、サビ終わりの「始まったばかりだ」のところは、四抜きの旋律でかなり「モーダル」な雰囲気になっていますから、そのコントラストも非常に印象的です。

I Want You To Know – Zedd

フルバージョンはこちら。昨今のダンスミュージックでは、この3rdの持つ豊かな響きをフルに活かして、ベースとリードを3度差で動かし続けるような曲もあります。これはその代表例。0:08~のメインパートで、シンセリードとベースがほとんど3度で平行に移動しています。後半に進むとさらに5度や7度が加わっていくような構成になっています。

もっと極端にずっと3度だけで作ると下のような感じ。


こんな感じの作りの曲、ダンス系を聞く人であれば耳にしたことがあると思います。こうやってベースとリードを重ねて平行に動かすときには、ルートや5thではなく3rdを使うのが定番なんですよ。
考えてみれば、歌のハモリだって3度差が定番なんですから、ベースとリードが3度で重なるのは当然と言えば当然ですね。

3rdの音程は、とにかく美しいラインが作りやすいです。Zeddの例のように、メロディに限らずバックの伴奏でこっそり重ねても響きが豊かになって良いです。

5th Shellの特質

5thは、ルートに次いでストレートで明確。しかし「安定感」に重点が置かれたルートと比べると、「力強い」という表現が似合います。ルートよりもずっと高い位置にいるため、やや高揚感もありますね。

5thを大々的に使った曲というのはそんなに思い浮かびませんが、例えばGreen Dayの「American Idiot」なんかも比較的5thの毛色が強いかと思います。

0:31〜のサビ。下の楽譜の赤マルの部分が、コードに対して5thになっている部分です。この5thの多さが、サビの快活さに繋がっています。

楽譜「American Idiot」 サビのメロディ

7th Shellの特質

7thは1,3,5と違い「濁り」を生み出す存在でした。だから、ここまでの他の音源と比べると、圧倒的に複雑な響きがしています。大人っぽい雰囲気や、切なさを出すのにはぴったりの存在ですが、逆に安定感は全く無いため、他のシェルと織り交ぜて使う必要がありますね。

HANABI / Mr.Children

1:39からのサビ。コードも日本人好みの進行で、メロも冒頭から7thの音を5連打しているという、まさにJ-Popの粋を集めたような曲です。この曲はBメロやサビ後半では3rdの音が中心になっていて、そこでも情緒を生み出しています。

楽譜「HANABI」 サビ冒頭のメロディ

ミスチルの桜井さんは意外にも理論派だそうで、彼と交流のあるスガシカオ氏が自身の著書の中で、「ルートに対して何度の音を気持ちよく聴かせるか、その好みがメロディを決定する」という旨の話を桜井さんから受けたと述べています。1

Oblivion / Piazzolla(作曲)

アストル・ピアソラという20世紀のアルゼンチンの作曲家の作品です。ぜひ最初から聴いていただきたいですが、ともあれ1:36〜の盛り上がりの部分にご注目。心の奥を揺さぶられるような、ものすごい情感を持ったメロディです。「理屈抜きに素晴らしい!!!」と言いたいところですが、その陰にはやっぱりちゃんとした理屈があります。

楽譜「Oblivion」 展開部のメロディ

上図のように、伸ばすところがみな綺麗に7度。これがこの曲の持つ切ない美しさの最大のポイントです。加えて、小節頭はほぼ3度で一貫しています。シェル編成が完ぺき。それでいてメロディラインとしてもすごく情熱的で、理論的に組んだと思わせないところがすごいです。

「サラバ、愛しき悲しみたちよ」 にしてもそうですが、シェルに統一性のあるラインは聴き手の耳にスッと入りやすく、理解しやすく覚えやすい。ひいては心に残りやすいメロディとなります。

この曲がこんなにも「ひとつの何かを強く伝えようとしている感じがする」のには、この美しく統制された度数が理由のひとつとしてあります。無意味な5度やルートがひとつでも入っていたら、その情感は薄れてしまっていたでしょう。

この曲は、徹頭徹尾うつくしい流れで作られた素晴らしい曲です。こうして楽譜で「タネ明かし」みたいなことをすると、「3度と7度を使えばこうできるのか〜」と思ってしまいますが、そうでもありません。当然これまでにやった「上昇・下降」や「跳躍・順行」「全音・半音」「終止・跳越」そして横のリズム等々も含めて完ぺきに動いてこそ、この圧巻のメロディ。知識・経験・感性の結晶とでも言うべき作品です。

#4.比較実験

さて、「度数が響きを補強する」というのが何となくわかってきたと思います。しかし上記の例ではアレンジやサウンドがバラバラなので、「度数っていうか、ジャンルの問題じゃね?」と言われてしまいそうです。
アンドロイドが歌っている音源も、ちょっと単純比較すぎて違いが分かりづらいですよね。そこで、より差がわかりやすいよう、もっとそれぞれの度数のキャラクターを活かした別々のメロディラインを乗せて聴いてみましょう。

ルート
ルートシェル


コードはVImIIImIVIIImVImVIIm(-5)IIIです。各コードの変わり目のメロディは必ずルートになるようにしてラインを作りました。

冒頭のキッパリした感じはなかなかイイですが、Iに解決した時がちょっと単純すぎてつまらない感じはあります。また、VIIm(-5)の時には、不安定さが強すぎるようにも聴こえます。
やっぱりこうやってルートが続くと、ベースと動きが一致しすぎていてラインの多様性に欠けます。単純になりすぎますね。上の例で示したように、そのストレートさが活きる場面でなければ、適度に他のシェルを混ぜるべきでしょう。

3rd
3rdシェル

うってかわってこちらは、コードの変わり目がすべて3rdです。3rd中心のメロディはやはり情緒豊かで、非常に聴きやすいです。3rdはとにかく作りやすく聴きやすく、外れにくい便利な音。ずーっと3rdでも、全く問題ありません。今回は暗い曲調ですけど、「悲しい」というより「ノスタルジー」を感じさせる雰囲気ですね。

5th
5thシェル

3rdの時の「情緒」とは違う、力強いものがあると思います。短調のもつ「悲しみ」の感じがいちばん強く出ているのはコレかもしれません。3rdに比べるとずっと直線的で、刺さるような質感があります。それは、5thが長短に全く影響しない音であることが大きく影響しています。

7th
7thシェル

情緒という点では3rdに似ていますが、響きが複雑なぶん、伝わってくる質感も複雑なものになっています。全体の響きが濁ってホンワカした結果、「短調だ」という感じをいちばん感じさせませんね。

このように全く同じ短調のコード、同じリズムとサウンドでも、基軸になる度数が変われば全体の醸し出すものが変わるというのが体感できたかと思います。

上の四曲は、それぞれ統一した度数を押し出した結果、それぞれが「個性」を帯びました。それって、ものすごく大事なことじゃないですか?
もしもある場所では3rd、ある場所では5th・・・それが無秩序に、何の意味もなく散らばっていたら? そのパートが総体として我々の心に訴えかけてくるエネルギー量は離散し、あまり心には残らないでしょう。もちろん、それぞれの箇所で歌詞とマッチしていたりすれば別ですけどね。

ですからこの「質感の差異」に敏感になることは、メロディ作りにおいては重要です。敏感というのは、頭ではなく「耳」のことです。耳がそういう質感に敏感になれば、作るときにも自然と良いものを選び取れるはずです。

#5.シェルの気にしかた

この「シェル」という概念は、メロディ作りにおいて極めてクルーシャル(決定的)な要素です。上の実際の曲例を見ただけでも、シェル編成の巧さが曲の良さに直結しているということは、お判りだと思います。これもまた、世間一般では「センス」として片付けられてきた部分の正体のひとつなのです。
シェルは、表現したい内容をいかに引き出すかという「表現力」に関する理論ですから、「正解」はありません。だから、コレを体得するのはなかなか大変。シェルを無意識的に活かせる技能は、ずばり「センス」そのものです。それは、「だから練習しても無意味」という意味では全くなく、「まず意識的にこれを活用することが、センス向上への足がかりになる」ということ。
ひとまずはメロディじゃなく伴奏なんかで、情緒豊かにしたいときは3rdと7thをトップに据え、シンプル・ストレートにしたいときはルートと5thを中心にするなど、活かせそうなところを見つけて意識するとよいでしょう。

そしてこういう度数感覚、和音感覚がよく馴染んでくれば、それは必ずメロディ作りのセンスに直結します。習熟すれば、自分の出したい曲想にどんな度数が適しているのかが感覚でわかってくるようになるはずです。

総括
  • インコード・ディグリーに応じてメロディに付加される音響的性質のことを、「表質」、「シェル(Shell)」と呼びます。
  • 根本的性質である「原質」と付加的性質である「表質」、この二層の重なりがメロディの表現内容をおおよそ決定します。
  • ルート – 5th – 3rd – 7thの順にストレート(単純)な響きから情緒的(複雑)な響きへと変わっていきます。
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