メロディ理論をはじめる

メロディ編 Ⅰ章:構造の分解

#1 メロディ理論の意義

メロディメイクとは感性のたまものでしょうか? もちろんそのとおりです。音楽は、芸術ですからね。
でも、和音の世界にも、明るい・暗いや安定・不安定といった、逃れることのできない音楽的性質というものがあります。それは、メロディにしたって同じです。

音程が下がっていくメロディで心の高揚を伝えられるでしょうか?
すごく早口のメロディで、ゆったりした曲想を表現できるでしょうか?

出来ないですよね。それは、メロディにだって「逃れることの出来ない法則」がたくさん存在するということの証明に他なりません。それは上記のような当たり前のものから始まり、そして言われなければ気づくことの難しい奥深いものまで、実にたくさんあります。知識はいつだってグラデーションですからね。

数学の場合

「なんとなく理解していること」は、きちんと「言葉」として覚えた方が便利だし、「気づきにくいこと」は、教えてもらった方が早い。だからメロディメイクこそ、理論でサポートしてあげた方がいいのです。

感覚だから・・・

しかし、ことメロディに関しては、こう思う人がいるかもしれません。

やっぱりメロディって口ずさみながら感覚で作ってくものだし、歌ってて気持ちいいとかも肉体的なものじゃん。だから理論とかで考えちゃうと良いメロディって作れないと思うし、そういう風に作るものじゃないと思う。俺は俺の個性とかスタイルを貫きたいし。それって理論でどうにか出来るもんじゃないよね

そうですね。メロディメイクが肉体的なのは間違いないし、どんなメロディを作るかは自由だし、楽譜とにらめっこしながら作ったって良いメロディにはならない。それは本当でしょう。

でも結論は逆です。感覚的であるからこそ、最初はまず頭で理解した方がいいんです。これは他の物事にたとえれば、すぐに分かる簡単なことです。

ブンシャカ

ギターもピアノもドラムも、最初は手首の角度や動かし方なんかを、意識しながら練習しますよね。ボーカルも、マイクとの距離や角度をきちんと意識することが最初は大事。

なぜでしょうか?

何てことはない。最初はちょっと苦労してでも「良い形」で身につけておかないと、後々で伸び悩むことになるからですよね。しかもその「良い形」っていうのは、言われないと意外と気付きにくかったりします。ピアノの手首の高さや指の動かし方は、きちんと習っていない人だと良くないフォームになっていることがよくある。ギターも、フレットを押さえるちょっとした角度や位置で、鳴りが全く変わります。

意識的に「良い形」の練習を続けることで、いつのまにか無意識でも「良い形」で弾けるようになっている。本番は意識なんてしてられないから、だから普段は意識することが大事なんですよね。

音楽だけじゃなくスポーツだってそうだ。バスケも野球もサッカーも、最初は意識しながら身体を動かして、「良い形」を身体に染み込ませていくのが鉄則です。実際の試合は流動的で、いちいち意識なんてしてられない。だからこそ基礎を無意識で実践できるまで徹底する。何に注意すべきかも分からず、正しくないフォームでいくらガムシャラに練習したところで、あまり上達はしないでしょう。

だから、メロディメイクも全く同じです。面白くないメロディを何十曲も量産するくらいだったら、ちょっと窮屈だとしたって、数曲は注意すべきことを意識しながら作曲した方が圧倒的に速く成長できます。

サンプル

こちらはたった7音のメロディラインが内在している「音楽的情報」を、幾らか可視化したものです。たった7音でも、めまぐるしいイベントが起きていますね。こうしたメロディの響きと動き一つ一つが生み出すモノを、感覚だけで全て理解するのはものすごく大変ですよ。でも理論立てて説明されれば、誰だってすぐ理解できます。仕組みを理解してから取り組んだ方が成長が速いなんて、本当に当たり前の話ですよね。

音楽理論がなくても、メチャクチャで気持ち悪いメロディを作る人なんていません。ただ多くの人が陥ってしまうのは、なんの特徴もないメロディを作ってしまうことです。ストーリー性のない音の流れ、メリハリのない展開の連続。冗長なライン。そういったものを、人はとかく作ってしまいがちです。そして、「曲が出来た」ということだけで満足して終わる。

それを闇雲に作り続けてゆっくりと成長するのか、あるいは大事なところ・注意すべき点を教えてもらってサクサクっと成長していくのか。理論を学ぶか学ばないかの違いは、ただそれだけです。

#2 メロディ理論なんてあるの?

そもそもメロディの理論なんてあるの? そこはまだ理論化されてなくって結局センスだって聞いたことある

そうですね、メロディの音楽理論が存在しないと思っていた方もいると思います。そこも説明しておきましょう。

実は歴史的に見れば、メロディに関する理論というのはたくさんあります。特にクラシック系理論は、かなり細かく理論立てがされています。ただそれらはみんな、ちょっと細かすぎるんですね。ポピュラー音楽での運用性が低くって、現代の一般的な音楽理論では淘汰されて生き残っていません。

細かすぎ

一方のジャズ理論も、音階の種類に関する情報は豊富なのですが、メロディ構築に関する理論は思ったほど充実していない。というのも、ジャズはそもそもが即興演奏を主軸に置いた理論だからです。

ソロフレーズに関する技法なんかは充実していますが、それはやっぱりポピュラー音楽の「歌メロ」にあてはめて使うには、根本の目的にズレがあることは否めません。

だからけっきょく、世間一般の音楽理論は「メロディに関する理論は無い」と言います。「メロディ作りのコツ」ていどの情報であれば、世の中にいくらか出回ってはいますが、しかし「理論」として順序立てて、本格的にまとめるということはなされていないのです。

#3 自由派音楽理論の理論構築

そんななか自由派音楽理論は、多流派の理論を統合していること、ポピュラー音楽をターゲットに絞っていることが支えになって、きちんとメロディ理論を組み立てていくことができます。基本的な研究対象を「歌メロ」一本に絞ってしまえば、理論の構築はそう難しいものではないのです。

古典派理論、ジャズ理論、ポピュラー理論にはそれぞれ、メロディメイクに活きる「ちょっとした知識」が、実に様々な箇所に散らばっています。それを歌モノ向けに順序よくまとめれば、充実したメロディ理論の出来上がりです。
その内容は、クラシック理論でも使われるような基本的なメロディ用語から始まり、様々な音階の知識、そして「歌メロ」に特化した構築・分析の理論へと進んでいきます。そしてもちろん自由派は、メロディの作り方を制限することは一切しません。ただ淡々と、メロディの構造システムを明らかにしていくだけです。

実践がメチャクチャ大事

メロディ編、特にⅠ章は、とてつもなく簡単です。読むだけならⅠ章は2時間で読破できると思います。でも、決して急がずに、曲を作りながら読み進めてください。なぜならメロディ編の内容は、全て「理解」ではなく「体得」しなければならないからです。

バスケのシュート、「左手は添えるだけ」。こんなの言われれば1秒で理解できることです。さらにはヒザ、やれヒジ、やれ手首とポイントを教わったとて、3分もかからないでしょう。

じゃあ教わったその日からバシバシ簡単にシュートが決まるか? そんなわけないですよね。一見シンプルな動作でも、ヒザ、腰、背筋、腕、ヒジ、指・・・それら全てのモーションを「体得」するまでにはたゆまぬ鍛錬が必要です。

メロディ理論も同じ。Ⅰ章で学ぶのは、本当にどれも当たり前のこと。音の高さ、長さ、タイミング、動きの方向、動きの量・・・どこまでいっても当たり前のことしか書いてありません。
ただそこで紹介されるヒット曲のメロディ構造解説を聞けば、メロディメイカーたちがどれほど高い次元でその基礎を実践しているかを目の当たりすることになります。

スポーツの「合理的な動き」と「センスや発想」が表裏一体で互いを高め合う関係であるのと同じように、メロディも理論と感性は表裏一体です。理論を体得することで、センスを高めましょう。

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