メロディを記憶に残す

メロディ編 Ⅰ章:構造の分解

#1 良いメロディの必要条件

メロディ編の最初は、あまり難しくない話題から始めていきたいと思います。ズバリ、印象に残るメロディとは何でしょうか? それを答えるのは、ちょっと難しいです。印象に残るといっても、「美しい旋律」「突拍子もない展開」「歌詞との合わさり方」など色々ありますから。ただ、逆に「印象に残らないメロディ」がどんなモノか考えると、ひとつ大きな条件として言えることがあります。 それは、覚えられないこと。聴いていて覚えにくい、覚えられない。そんなメロディが印象に残るはずはありません。つまり「人に覚えてもらうことの出来るメロディ」は、印象に残るメロディを作るための必要条件であると言えます。

ですからメロディ理論を学ぶ上では、ココを最初のスタートライン、最初に達成すべき目標として考えます。われわれは意図して記憶に残りやすいメロディを作る必要があります。作り手にとって、メロディは「記憶に残る」ものではありません。「記憶に残す」ものなのです。


#2 リピート

では「覚えられるメロディ」を達成するために必要なことはなんなのか? 答えは明快かつ単純、それはリピート(反復)をすることです。反復されないメロディは、覚えることができない。リピートこそが音楽の本質であり、メロディの本質でもあります。20世紀の作曲家シェーンベルクの言葉を借りるなら、こうです。
シェーンベルク
一般に音楽はできるだけ多くの極小・小・中・大部分の反復によって判りやすくされない限り、比較的理解し難いどころか理解することさえできない。理解のための第一条件は結局のところ記憶にある・・・。だから音楽では形が判りにくく覚えにくいものは正しく理解できない。例えば特徴に欠けたもの、曲が複雑な場合ならそこから派生するすべてのもの、そこから生じる全てのものは正しく理解できない。
ここでいうリピートというのは、単に同じメロディを繰り返すことだけではありません。メロディの高さを変えたり、長さを微妙に変えたりしつつリピートをします。時代によってメロディの構成法というか概念は異なりますが、どの時代を切り取っても、親しまれる名曲にはリピートがつきものです。

明快で耳に入ってくるリピート。それがいかに重要かを実感するために、いくつかの曲をみてみましょう。

クラシック

クラシックの世界では、小さなフレーズのことを動機Motif/モチーフといい、ソナタ形式などでは限られたモチーフを元にしていかに美しく曲を展開していくかが醍醐味でした。
素晴らしいフレーズのリピートに関しては枚挙にイトマがありませんが、代表例といえば上に挙げたベートーベンの「運命」ではないでしょうか。このメロディが印象深いのは、大本のフレーズにインパクトがあることも一つの要因でしょうが、むしろその執拗な繰り返しによって印象付けがなされている側面が大きいでしょう。
こちらは1800年代後半の作曲家、ビゼーの「カルメン」から。改めて聞くと、「タンタカ タカタカ」のメロディを延々と繰り返しているのがわかりますね。とはいえ、これだけ聴いてもちょっと、「クラシックのオーケストラを引き合いに出されても…」という感じがするかもしれません。もう少しポピュラー寄りの例を見てみましょう。

民謡

少し趣向を変えて、各国の民謡。
上はゲーム「テトリス」のBGMでおなじみ、ロシア民謡の「コロブチカ」。冒頭で「タッタカタッタカ」をひたすら繰り返しています。やっぱり印象に残るし、それからつい口ずさみたくなるという効果もあります。 下は蛍の光でおなじみ、スコットランド民謡の「オールド・ラング・ザイン」。こちらは一聴すると分かりにくいですが、メロディに合わせて手を叩いてみると、びっくりするくらい同じリズムを繰り返していることがわかります。

そうです、単一の主旋律をもったシンプルな音楽でも、「モチーフ」のリピートは活用されているのです。ではいよいよポピュラー音楽に目を向けてみましょう。

ポピュラー音楽

さて、いよいよ本題というか、ポピュラー音楽のメロディでこの「モチーフ」の反復を見てみます。 こちらは世界的に売れているロックバンド、コールドプレイのシングル曲。同じ素材のリピートがいかに効果的かを教えてくれる名メロディです。イントロの伴奏とメロが、ずーっと同じリズムですね。リズムは同じで、音の高さを変えることで展開を作っています。言ってしまえばメロディメイクなんて、コレでいいのです。良いものを見つけたら、それをひたすら繰り返すのがいい。まさにシンプル・イズ・ベストなのが、ポピュラー音楽の世界なのです。 こちらもとても歌いやすい単調なリズムのメロディを単調に繰り返しているだけですが、でも退屈するということもありません。ちょっとしたコードの変化、節回しの変化、そして歌詞を堪能できればいいわけですからね。

これは古き良きディスコ音楽の代表曲。メロも、サビも、その後のパールルも、それぞれ1つしかラインがありません。あとはその繰り返しと、終わりをちょっと伸ばしたり変えたりしているだけ。強いラインが出来たら、それだけで一曲が素晴らしい形で成立するという代表例です。 言ってみれば、ひとつフレーズを覚えたらそれで1パートが歌えるわけですよね。結果として、すぐに口ずさめるようになる。それがポピュラー音楽においてはすごく重要なポイントなのです。

もうちょっとささやかな例
フルバージョンはこちら。洋楽ロック好きなら知らない人はいない、ニルヴァーナの代表曲。もちろんコード進行が一種類をただただ反復するものであり、サビのメロディが同じラインをリピートしているのは明白ですが、AメロとBメロのメロディのリズムがほぼ同じであることに気づきますか? Aメロの“Self-assured, Oh no, I know a dirty word”と“Hello, Hello...”はリズムが全く同じ。これは意外なところにリピート構造が隠れている例です。 こちらもおなじみLady Gaga。一見ハッキリとリピートはしていないのですが、よくよく聞くとAメロ・Bメロ・サビ・ブリッジ・ママママーの全てにおいて、「ンタタタ」という頭に休符が来るリズムが使われています。それが地味に印象として脳に刻まれていくわけです。

Poker Face 「Poker Face」のリズム

こんな風に、密やかながら曲全体を通してひとつのリズムを聴き手に流し込んでいるのは、妙に中毒性のある曲によくみられる特徴なんですよ。このような例は、数え上げればキリがありません。そしてもちろん、日本の音楽も例外ではないのです。

邦楽

邦楽の場合も、特にJ-Popだとサビで分かりやすくメロディをリピートする例が多いです。ただ、洋楽と比べるとひとつのカタマリが大きく、長めのストーリーを持っている傾向にありますね。 スピッツは割と模範的なリピートが仕込まれていることが多く、メロディ作りの参考になるアーティストです。「愛のことば」は特にモチーフが明確で、ABサビそれぞれ綺麗なリピート構造があり、とても分かりやすいです。 一方で非常に珍しく面白い技法も盛り込まれていて、それはBメロのモチーフがCメロに流用されているという点です。だからこの曲のCメロは、場面を展開させているように見えて、実はデジャヴを感じさせるシーンになっているのです。 奥深いリピート構造をしているのがこの曲。まずサビの「春よ」の「タンタターン」というリズムは、サビ中ずっと使われています。 また、Aメロは基本のラインを音程変えつつ3回繰り返して、Aメロの終わり(「ひとつ ひとつ」)はそのままBメロのライン(「それは」「それは」)に直結しています。そしてこのBメロのラインが、さらにサビの「春よ」でも再利用されています。Aメロ終わり、Bメロ、サビ。3パートに使う素材を統一することで、メロディがより自然に聴き手の耳へ入っていくのです こちらも「春よ、来い」と同じく壮大な伏線を張っているパターンです。メロとサビのメロディラインの形が、そっくりなのです。歌い出しの「夜明けの来ない夜は無いさ あなたがポツリ言う」というフレーズと、サビの「朝日が水平線から光の矢を放ち」は、リズムがほぼ同じです。

ですから、このサビのフレーズは決して分かりやすいラインとは言えない、複雑な部類のメロディですが、Aメロのうちから同じラインを提示してきたことで、聴き手にはスムーズに入ってくるのです。もちろん、サビではもっと上昇していく形のメロディラインに変えることで、盛り上がりを作っている点も見逃せませんね。

こちらも何となく聴いていると気づきませんが、実はAメロで「タターンタターン」というシンプルな素材を何度も何度も繰り返していることが分かります。ていうか、それしか使っていません。そしてゆったりなBメロを挟み、サビのモチーフがまた「タターン」です。 音の高さに関してはあまり形が揃っていないのですが、だからこそ「さりげないリピート」としてよく機能しています。 この曲は、ポップスのメロディメイクの究極形を提示したひとつであると思います。 メロディは一見細かく聴こえますが、アクセントに注目すると、AメロもBメロもサビも、全てがほぼ同一なのです

AもBもサビも、上のリズムに合わせて歌えます。全てこれ一本で、Aメロはメロディの抑揚を抑え気味にし、Bメロはコードを変わったものに替え、サビで一気にサビらしく盛り上がるのです。 それはもう、覚えやすくないわけがない。サビのリズムさえ覚えたら、その調子でAメロもBメロも歌えるのだ。

手法はいろいろ

そんなわけで、あからさまにフレーズをリピートするものもあれば、なんとなくリズムだけがあっているものもあります。そのどちらも、聴き手に印象づける手法として有効です。 きっと、「言われてはじめて気づいた」というリピート構造もあったのではないでしょうか。 もちろん良いメロディを作る道すじはこの「リピート」だけではありませんが、リピートを活用すれば覚えてもらいやすいメロディを作れることは確かです。 つまり、メロディメイクをするにあたっては、次から次へフレーズを生み出していけばいいというものではないという意識を、まず持つべきだということです。核となるフレーズを何か作ったら、それを“展開させる”という意識で次のフレーズを作ると、まとまりのあるメロディが生まれやすいです。
モチーフ

こちらモチーフを三回展開している例。こんな感じでヤマを作って、最後はフワンと伸ばしたりするのが、定番のメロディラインです。このような「造形」があるメロディは、聴き手にとってすごく馴染みやすく、覚えやすい。モチーフというのは、本当に重要なメロディの根本概念なのです

Check Point
メロディラインを作る時には、思いつくままに次々とラインを作っていくのではなく、「素材を活かす」という気持ちで反復構造・展開構造を作っていくとよい。反復の方法は、メロディラインの形を保ったまま高さだけ変えるのが一般的だが、リズムを揃えるだけでも覚えやすさに繋がる。 「素材」は少なければ少ないほど聞き手は覚えやすいので、素材の数は、聞き手が退屈しない限りはどれほど少なくてもよい。メロディ素材を展開する能力も、重要なセンスのひとつである。

まずはコレをいちばんの基本概念として頭に刻み込んでおいて欲しいのです。初期の作曲というのはどうしても、「メロディは思うがままに作るんだ」とかなんとか言って、特徴のないメロディを作ってしまいがち。窮屈だと思っても、一度は「モチーフ」をガッチガチに意識しながらメロディラインを作るという修行はするべきです。それが後々成長に繋がります。

この節のまとめ
  • リピート(反復)こそメロディメイクの基礎であり本質です。みだりにフレーズを増やさずに、象徴的なラインを繰り返すことが曲にとって大切です。
  • クラシック界では小さなフレーズのことをモチーフと呼びます。
  • リズムだけをさりげなく合わせたり、Aメロに伏線を張るような手法も存在します。
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