古典派理論への招待

コード編 Ⅶ章:古典の世界

Ⅶ章では、いよいよ古典派クラシックの理論を解説していきます。とはいえ、本格クラシック理論の情報量の膨大さはすさまじく、紹介できるのはほんの一部にすぎません。それゆえ、まずはこの章が作られた目的をあなたと共有しておきたいと思います。

流派ごとの違いを理解する

まず重要な目的は、古典派理論と一般的な音楽理論の差異を明確にすること。むかしのクラシック理論と今の理論が「違う」ということは何となく理解していると思いますが、具体的にどう違うのか。そして「なぜ」違うのかという点についても可能な限りふれて、古典派理論の哲学というものを理解してもらいます。

クラシック調の作曲をできるようにする

2つ目は、「クラシック調の作曲」をできるようにすること。本当に完ぺきなクラシック同様の美しさを生み出すには、かなり長い修行が必要です。しかし中には、「そこまで本気でクラシックに身を捧げられはしないけど、クラシック“風”の曲は作れるようになりたい」という人もいるはずです。そういう人のために、クラシックのクラシックらしさとはどこから生まれるのかという基本を短時間でさらってしまう。それも目的の一つです。

ポピュラー音楽への応用法を知る

古典派理論の中には、「考え方だけでも知っておいた方がいい」「すぐ編曲に活きる」ような、“戦闘能力”の高い知識が存在します。しかし当然、本格古典派の書籍には「ポップスではこんな風に使えるよ」なんて話は一切登場しません。この章では、古典派の知識をどうポピュラー音楽に応用するのかについても、いくらか説明を加えます。

本格古典派を学びやすくする

もしかしたら、中には「過去に本格和声の本を買ったけど難しすぎて挫折した」という人もいるかもしれません。ここでクラシックの思想的側面や、基本的知識を学べば、改めてリベンジができるはずです。
あるいはこの章を読み終わったあとで書籍を読むにせよ講座をとるにせよ、“大枠”を理解しているだけでずいぶん学習はスムーズになります。そういった「今後の学習の支え」のためにもこの章があります。

つまり、ここでは可能な限りとっつきやすく、使いやすい部分をかき集めることで、まずはとにかくクラシック理論が持つ美しさの魅力をすぐに実践できる領域で体感してもらうことを意図してまとめました。

やっぱり、作って違いを実感しないことには理論の良さって分かりませんからね。堅苦しすぎて曲を作る気になれなかったら、本末転倒だ。実践する中でその効果を実感してもらい、それがより本格的な古典理論に入り込むきっかけになればと思います。

§1 クラシックの歴史

さて、まず前提として確認しておきたいのは、クラシックと言っても様々な時代があるということです。これは序論でも少し述べましたね。

音楽史

こちらはものすごくざっくりとした音楽史の流れです。現実は上のようにクッキリと様式を分けられるわけではないし、同じ時期でも作曲家によってスタイルは微妙に違います。まあ詳しく話し出したらキリがないわけですから、これくらい大雑把でちょうどいいのです。

古典派理論は文字どおり、古典派をメインターゲットにした理論ということになりますね。
そうなるとやはり、クラシックにおける古典派のポジションがどんなものであるかを、少しだけは理解しておく必要があります。ほんのちょっとだけサンプルを聴いて、勉強しましょう。

バロック (約1600-1750)

バロックの時代を極度に簡潔な表現でまとめますと、「流動的」で「華美」な音楽です。動きが非常に多彩で、長調と短調が簡単に入れ替わったりもし、統一的な様式美を追求した古典派と比べると複雑に感じられる傾向にあります。もちろん、一概に言えるものではないですけど、全体の風潮としてですね。

上はバッハの作品で、バロックの特徴のひとつ、複数のメロディラインが独立して動く「ポリフォニー」という形態が分かる一曲。そして下はヴィヴァルディ。バロック期にはチェンバロなどが伴奏を弾く「通奏低音」という文化があったのですが、この曲はそれが分かります。

古典派 (約1750-1800)

対する古典派は、こちらもメチャクチャざっくり言うと、「堅固」で「質実剛健」な音楽です。この時代の中心になったのは、オーストリアのウィーン。モーツァルト、ハイドン、シューベルトは3人ともオーストリア出身、ベートーベンも成年してからウィーンに引越ししています。ハイドンは、一般的な知名度はちょっと低めですが、「交響曲の父」と呼ばれているスゴイ人。

こちらは、ハイドンの「四季」と言う作品から。複雑さを削ぎ落とし、代わって強弱や緩急を用いた表現がより豊富になったようなイメージです。
先ほどのバッハの曲と比べると、これが主旋律です!というメインメロディが分かります。こういう形式を、ポリフォニーに対して「ホモフォニー」といいます。

この時代には、本当にシンプルなコード・シンプルなメロディでキラーフレーズがたくさん生み出されていました。飾り気が少ないという点では、リフ一発で観客を湧かせるハードロックに通じるものがあるかもしれません。ストレート勝負なのです。

冒頭のフレーズがとにかく有名な「アイネ・クライネ・ナハトムジーク」ですが、実はその後も次から次へとキャッチーなフレーズが飛び出し続け、最初ッから最後までパンチラインという感じのモンスターソングなのです。
この時代は、表現としてやれることのベースアイテムが少ないゆえに、リズムの活かし方やメロディのシェル・カーネルの構築が凄まじく洗練されています。

過渡期 (約1800-1820)

「古典派」とその次の「ロマン派」の境目は曖昧です。簡単に言うと、形式・様式が重視されていた時代から、次第に自己・感情の表現に重きが置かれるように変わっていきます。この辺りから、作曲家が貴族のサポートなしで、コンサートなどでお金が稼げるように社会情勢が変わってきたために、表現の自由度が増していくのです。その代表者が、ベートーベンです。

こちらはベートーベンの代表作のひとつ。シンプルですが、実は古典派の様式に従っていないところがあるんですよ。モーツァルトとベートーベンの音楽性の違いなんて、これまでそんなに気にしたことはなかったと思いますが、クラシック史上ふたりの立ち位置は全く違います。
これまた平たく言えば、古典派の制限だらけのシステムの中で美を極めたのがモーツァルト、そのシステムの外を切り拓いていったのがベートーベンという感じです。

シューベルトの作品も紹介しておきます。こちらは“世界三大交響曲”の一つに数えられる曲です。たしかに、先ほどのハイドンやモーツァルトの楽曲に比べると、自己主張の強い感じがありますよね。

ロマン派 (約1820-1900)

そこから様々な方法で古典派から拡大・逸脱などしていくのがこのロマン派の時代です。「様式」ではなく「表現」に磨きをかけた時代と言えますから、現代の私たちにとっても楽曲の魅力が分かりやすい時期であります。

こういう感じのピアノ曲は、もう現代に通じるものがありますね。ショパンのノクターンには、サブドミナントマイナーやハーフディミニッシュといったポピュラー音楽におなじみの技法が活用されています。耳馴染みのあるサウンドなので、古典派クラシックよりも堅苦しくない気持ちで聴けるはずです。

一方交響曲では、ダイナミックさやドラマ性をさらに増した壮大な作品が見られます。

ブルックナー、ブラームス、マーラーといった作曲家が有名です。

こうした個性的な楽曲に比べると、古典派の優美で型どおりの音楽は、一般的なリスナーからするとキャラクターやテーマ性がなくて退屈に感じられてしまうことも多いですね。ただこの章でクラシックの理論を学ぶと、古典派の持ち味である「余計なものが削ぎ落とされた極限の美」の魅力も分かるようになります。

印象主義 (約1890-1920)

時が進み、ロマン派が推進してきた「激情の表現」を避け、もっとふんわりと漂う雰囲気を音で表現しようという方向に向かったのが、「印象主義」です。この主義をリードしたのはフランスで、印象主義の代表的作曲家であるドビュッシー、ラヴェル、ケクランはみなフランス出身です。

上から順にドビュッシー、ラヴェル、ケクランです。確かにいずれも、情感というよりも情景を表現しているのが伝わってきますね。非常に近代的。
この時期には他にもたくさんのムーブメントが同時並行していて、印象主義はそのうちのひとつです。したがって「古典派」や「ロマン派」のような巨大なくくりとは区別する意味で、印象“主義”と呼ばれます。

近代 (約1890-1945)

20世紀初頭、音楽はさらに進化し、調性を捨てた音楽や、極めて複雑化したリズムの曲などが発展していきます。シェーンベルクやストラヴィンスキーといった作曲家が、新しい時代を切り開いた代表的存在とみなされています。

ここから先はもう「クラシック」と呼ばれることなく、「現代音楽」と呼ばれる時代に続いていきます。1
日本では印象主義や近代も含めて「クラシック」と呼ぶのが普通ですが、英語圏ではバロック・古典派・ロマン派の時代までを"Common Practice Period(コモン・プラクティス・ピリオド)"とまとめて、印象主義以降と区別したりもします。

バロック以前について

もちろん「バロック」より以前にも音楽発展の歴史がありますが、そこまでいくとかなり歴史探究的な意味合いが増してきますので、この章では一切扱いません。この頃はまだ「メロディを重ね合わせて音楽を作る」という発想のもと「対位法」と呼ばれる理論が発展していった時代です。一応、興味を持った場合に検索できるよう、代表曲を数曲置いておくことにします。

1200年ごろ 「ノートルダム楽派」の作曲家 ペロタンの作品

まだ「3度」が協和音程と認められる前の時代のため、最初のハーモニーがいわゆるパワーコードになっている点はクラシック音楽史の歴史認識として重要です。

1300年代 「アルス・ノーヴァ」様式時代 ギョーム・ド・マショーの作品


「ポリフォニー」が本格的に栄えていく時代です。

1400年代後半 ルネサンス時代 ジョスカン・デ・プレの作品

1500年代後半 ルネサンス後期 モンテヴェルディの作品


ヴァイオリンが誕生し、チェンバロが普及したとされるのがこの時代です。


さて、クラシックの歴史概要はこんなところ。もちろんこれは、歴史の上澄みも上澄み、1%にも満たないような話なので、詳しく知りたい人はもっと調べてほしいかなと思います。でもこれでひとまず、「古典派理論」の位置付けも見やすくなったはずですからね。

§2 古典派理論の概要

それではここからは、古典派の音楽理論の中身がどんなものであるか、そのコンセプトを理解していただきましょう。古典派理論の中には、バロック以前から受け継がれてきた部分もあれば、古典派特有のスタイルである部分もありますので、その辺りをきちんと区別して理解することは大切です。

和声理論

クラシック系理論の最大の強みと言えるのが、和声Harmonyと呼ばれる知識。これは、和音をどう積んで、どう繋げていくかについての理論です。

こんな風に、ひとつひとつの音のつながり方にこだわっていく理論なのです。
例えばオーケストラの編曲をするとき、上のようにいくつかの楽器を合わせてひとつの和音を構築するのが普通です。管楽器はひとつにつき一音しか鳴らせませんしね。

ですから、上のように単なるカノンの進行をするにしても、ひとつひとつの楽器の流れがきちんと美しくあることや、楽器同士の距離感や動きが適切であることを確かめねばなりません。和声はそうした分野に関する理論です。

「和声」の知識は、サウンドバランスに関する知識ですから、クラシックどころかあらゆる音楽ジャンルに応用しうるものです。習得すると、編曲の際の細かな音の配置に迷うことがほとんど無くなります。ほんとうに、知らないなんて損してるってくらい大事なところですね。

古典派の様式論

Ⅶ章で扱うもうひとつの分野が、古典派のコード様式についてです。古典派が長調と短調をしっかりと区別することで、明暗をハッキリしたスタイルを貫いたというのは、コード編の最初に述べましたね。

そのため、古典派理論はコード進行に関するルールが現代の音楽理論よりも格段に厳しいのです。またルールどうこう以前に、流行・時代性として頻用されたもの、逆にあまり使われなかったものもある。そういった知識は、古典派らしい格調高い音楽を自分で作りたい時に必要になります。
このあたりは、クラシックのユニークな様式美を知れて面白いところなのですが、逆に言うと古典派クラシック以外には全く通用しない理論になりますから、「和声論」と違い、他ジャンルの作曲に直結するものではありません。

音楽と音楽理論の時代関係性

またひとつここで確認しておきたいのは、ひとくちに「古典派理論」といっても、「古典派当時の人間たちが既に確立していたもの」と、「その作品を後から分析・分類するうえで生まれたもの」との2つに分かれます。

例えばその典型例としてあげられるのが、トニック・ドミナント・サブドミナントの「機能和声」です。TDSという考えが確立されたのは1900年前後のことですから、古典派はおろかロマン派の人たちも、TDSという概念のもと作曲をしてはいなかったわけです。

TDSの位置付け

こうした様々な時代背景や演奏のスタイル、目指した音楽性、時代ごとの違いなどをしっかり認識したうえで学ぶことで初めて、古典派理論の学習は意義深いものとなります。

ココでこの辺りはキッチリ解説したわけなので、今後は「バロック以前だとこのルールは守られていないのですが〜」「古典派でもベートーベンはルールを破っていたりしますが〜」「ここでいうルールというのはあくまで古典派のルールという意味ですが〜」「オーケストラ楽器が前提であり、シンセサイザーとなるとまた話が変わって〜」「この古典派TDS分類は、1890年以降に後付けでなされたものですが〜」といった余計な注釈はもう入れませんので、ちゃんと時代性を理解しながら読み進めてください。

このⅦ章では、まず先に「古典派の様式論」を学び、そのあとに「和声論」に入っていくという流れをとります。ですから序盤の様式論を学べばひとまず「本格派クラシックっぽい音楽」を作ることが出来るようになり、最後まで学べば「クラシック並みにこだわった音の配置テクニック」を習得することが出来るということです。

それでは、次の記事からいよいよ古典派の本論に進んでいきます。

まとめ
  • クラシック音楽は、大別するとバロック・古典派・ロマン派・(印象主義・)近代・現代と区別されます。
  • 古典派は最も様式がしっかりと統制された時代であり、古典派理論はそのシステムを伝えるものです。
  • 古典派理論の中身は「和声論」と「様式論」のふたつに大別され、現代の私たちにとっては、この二者を学ぶ目的は大きく異なります。

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