調性引力論 ❹ 声域区分法

メロディ編 Ⅰ章:構造の分解

さて、前回は「原質(カーネル)」という概念の紹介と、それぞれを最高音にあてた時の曲想の違いについて解説しました。しかしもちろん、最高音をチェックしただけではメロディを分析したとはとても言えない。他の部分をどんな風に見ていけばいいのか? その道しるべとなるのが、今回紹介する「声域区分法」です。

§1 音域とメロディ構造

「トーナル・センター」と「調性引力」、そして「カーネル」という認識のもとメロディを分析していくと、特に歌モノのメロディラインが基本的に持っている、漠然とした「型」のようなものが浮かび上がってきます。

域

例えばこんな風に、下のソからオクターブ上がって、裏声ならさらにその上のミまでは出せるぞという人間がいたとして、この声域を、トーナル・センターであると、音階の中間地点であるファとソの間で声域を区分していきます。

区分

ドは接ぎ目ということで、上下両域に含めると捉えてもいいし、重複が気になるならどちらかだけに含めてもよいでしょう。

今回は4区分に収まったので上のようにラベリングしましたが、もっと声域が広ければ「最低域・最高域」を足すか、あるいは単に番号制にするとかで対応できますね。もちろん英語で「Lo・Mid・Hi」などと称してもかまいません。正直言って名前はさして重要ではなく、ポイントはオクターブを二分して区切っていくという考え方です。この区切り方を、「声域区分法」と呼びます。これもまた、自由派音楽理論独自のものです。

声域区分法はセオリー(理論)というより、分析や作曲の際に指標となる区分を作っておけば捗るというメソッド(方法論)であります。

ファ/ソというボーダーライン

なぜファとソが境目なのでしょうか? もちろん 「ドレミファ – ソラシド」という二分割だ、でもよいのですが、もう少し理由があります。

ファは7音の中で最も強力な下方の傾性を持っていますので、私たちがファを聴いて第一に予感するのは、下方へ進んでドへと収束していくストーリーです。一方それがソまでいくと、今度は上のトーナルセンターの方が近くなります。山登りで言うなれば、七合目あたりの”山小屋”に到着して、ふもとよりも頂上が見えてきたぞという場所です。オクターブ上の中心音への到達をはじめて予感させる場所が、このソという位置です。

ストーリーの方向

むろん実際の流れは前後関係次第ですが、ひとまずメロディ分析においてどこにボーダーラインを設けるのがよいかと考えた場合、それはこのファとソの間になるだろうという、そういう判断です。区分をすることで、音域のコントロールというものをより明確に意識することができるようになります。

低〜中低

low

例えばAメロはこの「低域〜中低域」を基本に据えれば、かなり安定感のある、定番のメロディラインが作れます。中心音(低い方)を中心に、あまり広がりすぎずコンパクトに構成すると、後に展開を残すことができますよね。

カーネルに関して言うなら、やはり「ファ」が一番強い情緒を持っていますから、これをどのタイミングで放り込むか、あるいは「四抜き音階」にしてしまうのかといったところで、センスが問われます。

場合によっては1つ上のレンジ、つまり「中高域」の音を跳躍進行でちょこっと入れてあげたりすると、スパイスになりますが、やりすぎると以降どうやって盛り上がりを作っていくかで悩むことになりますよね。そういうところの“配分感覚”が、こうして区切りを設けることでクリアになるのです。

中低〜中高

mid

それで、Bメロに行くと「中高域」の頻度を上げ、他方「低域」を減らしていけば順当な盛り上がりを得ることができます。この時点で上のトーナルセンターへの終止を使ってしまうのか、まだ節約しておくのかで、今後の配分が変わってくるわけですね。

ここで終止したらば、Bメロの段階でひとつの小さなクライマックスを迎え、サビは当然それよりも高い音で盛り上げることになる。一方ここで終止を節約しておけば、気持ち良いセンターへの終止を、サビのアイテムとして使えることになります。

中高〜高

high

でもってサビでは「高域」をしっかり使って盛り上がりを作るわけです。その使い方が「順次進行」なのか、あるいは「ストライド」を伴う跳躍なのか、また地声なのか裏声なのか。そういったことを考えていくことになります。

盛り上がるタイプの曲であればこの声域に留まりっぱなしでいいし、バラードでは適度に中低域を挟んでドラマ性を高めているパターンもよく見られます。

使い方は自由

もちろん声域区分法は、上記のような配分にする“べきである”と主張するものではありません。このような配分がスタンダードであると認識したうえで、それを破るのも当然アリです。ただ例えばAメロでがっつり高域を使うのであれば、サビまでのバランスをどこで補うのか? もしくはあえてサビを上げない曲にするのか? 考えた方がいいわけです。

実際問題、気ままにラインを作っていたら1オクターブを使い切るなんてあっという間です。たった7音ですから。

配分に問題あり

ですから、メロディ編の初回でバスケに喩えて説明しましたが、窮屈でも最初はちょっと意識して作った方が良いです。もちろん、「気の向くままに作って後から分析して、その反省点を次に活かす」という順序でも良いと思いますけどね。

いずれにせよ、「あなたはいま山の○合目にいますよ、頂上まであと残り○○ですよ」というバランス感覚、その道標になるのが声域区分です。

§2 実際に曲を分析する

さて・・・こんな机上の空論でメロディメイクは語れないって思いますか?ではここからは、実際の曲を「声域区分法」を中心にして分析してみましょう。
音域の使い分けはもちろんのこと、カーネルの活用、トーナルセンターへの終止やストライド跳躍の頻度とタイミングなどにも細かく注意してみてみましょうね。

AKB48 – ヘビーローテーション


AKB48最大のヒット曲で、歌いやすいシンプルなメロディが特徴ですよね。一聴すると簡素で単純、工夫のないメロディにも思えますが、基本に忠実に作られた曲です。

Aメロ

ヘビロテ Aメロ

「ポップコーンが〜」からのところのメロディを、ピアノロールにおこしてみました。1周目はドを中心に上下3度、つまりラ〜ミに収まっていて、順次進行が多く、抑揚はかなりおさえめ。
2周目は最後にファまで上がることで小さな盛り上がりを作ります。最も強い傾性音であるファのキャラクターをきちんとピンポイントで活かしています。見事に「低域〜中低域」に収まっていることがわかりますね。

Bメロ

Bメロはいきなりラからスタート、中高域に突入して高揚感を演出します。Aメロとのメリハリ作りですね。サビ前も、ファでちょこっと盛り上げています。
ヘビロテ Bメロ

サビ

そしてサビは、最初が「ドレミ ドレミ」それから「ミファソ」で段々と高揚し、そのあとやはりラの音が最高音として登場します。「ハイテンション」のところと、肝心のタイトルコール「ヘビーローテーション」部分は、また第Ⅳ音でちょっとしたヤマを作っています。

ヘビロテ サビ

音域は狭めが基本のアイドルソングですから、オクターブ上の中心音に終止したりすることはありませんでした。ただ、非常に明確な役割分担は見えましたね。要約するとこうです。

  • 基本はドレミ周辺の少ない抑揚でまとめる
  • ファが「盛り上がり(小)」担当
  • ラが「盛り上がり(大)」担当

この「ドレミと、低域のラ・シで骨格を作る」「ファとラで安定感を揺らがせて展開をつくる」というのは、メロディ構成のひとつの定番パターンです。また、「ストライド」には着目しましたか? 見てみると、各パートの終わりの跳躍のところで必ずストライドが発生していることも分かります。その辺りも統一感があって、聴き手にとっては非常に分かりやすい。

ですから、シンプルで狭い音域の中でちゃんとした抑揚を構成していことが、聴きやすさに繋がっているわけですね。ちなみに、同グループのもうひとつのヒットソング「恋するフォーチュンクッキー」も、かなり似た形のメロディ構成になっています。
アイドルソングは音域もそこまで広くできませんから、なおさらメロディの要素はムダ撃ちできないのです。

Oasis – Wonderwall

有名ロックバンドOasisの代表曲のひとつ。地味ながら耳に残るメロディですが、こちらも役割分担がしっかりしている!曲のテーマ性は全く違いますが、構成技法としては意外にもヘビーローテーションと似ています。比較しやすいよう、Cメジャーキーに移調して分析します。

Aメロ

Aメロは24秒から。やっぱり「ドレミ」の3音が基本ですが、後半は中高域に早々と突入し、盛り上がりを作っているのがユニークな点です。実はこの曲、Aメロのココが最高音なのです。かなり珍しいペース配分になっています。

Wonderwall Aメロ

とはいえ、中高域に入るのは1サイクルの中で1回のみ。起承転結でいうところのちょうど”転”でそれが行われているのが見てとれます。みだりに中高域を無駄打ちしないバランス感覚が絶妙です。
それから、ファとシを避けて四七抜き音階にしていることも分かります。ストライドも全くなし。この2点に関しては、情緒をかなり抑える設計になってるんですね。また、中傾性であるレの音がとても多く、これも落ち着かない感じがして、独特の情感に貢献しています。

だから、かなりシンプルで単調であるように見えて、きちんと曲想の演出のためにやるべきことをやっているのです。特にカーネルに対する感度の高さには目を見張るものがあります。

Bメロ

Bメロでは、音程的には終始低調ですが、はじめてシが登場することで情緒をかなり強めています。このパートから入ってくるギターのフレーズも同じくシを強調していて、歌との一体感があります。つまり、ここでもカーネルが抜群に活かされている。

Wonderwall Bメロ

そして、後半の盛り上がりでは、そこそこ大きめの上行跳躍ストライドで盛り上がりを作っています。本当に、要素を盛り込むタイミングが上手なのです。

サビ

メロディ的には大して盛り上がらないのがこのワンダーウォールという曲の魅力です。サビでも基本は低域〜中低域。そして盛り上げ役に「ソ」。さらに、最も不安定であるファが繋ぎに使われているのもポイント。ファはこのサビで初登場ですからね。

Wonderwall サビ

こんな風に細かく分析すると、いかにピッシリと音程のメリハリのつけられているかが分かります。このBメロ、こんなに地味なのになんで心惹かれるのか? それは、Bメロだけが理由ではない。シの全くないAメロという伏線があってのBメロなのです。

サビも、なんで”After all”がこんなにも胸を打つのか? それはただ単にサビ内での最高音をヒットしているからというだけではありません。最高傾性音のファが初めて鳴り、下方引力に逆らってソまで上がる。そのとき、モノクロの音世界の中に一瞬だけ心の内側が見え隠れするような情感が、絶妙なのです。もしファをメロで無駄打ちしていたらば、”After all”はパワーを失います。音楽はよく「引き算」が大事と言われますが、Wonderwallはまさにそのことを示してくれています。

ちなみにオアシスのもうひとつの人気曲である「Don’t Look Back in Anger」も、「ドレミで回すメロ、ソで盛り上げるサビ」という類似の構成をしています。
さほど音域が広くないアーティストの場合、派手な跳躍などでベタな盛り上がりを作ることができません。その不自由さが、逆にカーネルやストライドに対して敏感な感性を育てるのかもしれませんね。

スピッツ – ロビンソン

最後に、音域が広いアーティストの場合も見てみましょう。

上記2例と違い、切ない雰囲気の曲です。当然メロディにも切なさを演出する要素があるんですよ。

Aメロ

Aメロは「ソラで最大の盛り上がりを作り、ドレミで回し、ファが押さえの小盛り上がり」というこれまでと同じ構成。ただ音域が広いので、Aメロの時点でドレミファソラを使い切っているのはポイント。

ロビンソン Aメロ

ただしその「ソラ」もすぐに跳躍下行することで、あくまでも控えめに抑えラれています。それから、中高域へはみ出すタイミング以外は、かなり順次進行が多いのもポイント。中心音の周りをユラユラ揺れ動いている感じですね。

Bメロ

Bメロは順次進行が印象的であるとともに、強い傾性音であるファの音の頻繁さが目立ちます。Bメロらしく、揺さぶりに来ているのです。そしてサビ直前では、上のトーナルセンターに跳躍上行で終止しています。

ロビンソン Bメロ

先二例では音域の制限上出来なかった「上のトーナルセンターへの終止」をBメロで使うという、豪勢な展開です。音域が広いからこそ出来るやり方。とはいえBメロの段階では決してストライドせず、高域へ突入しないというのがポイント。きちんとサビに「手札」を残しているのです。

サビ

そしてサビでは、Bメロとは逆に導音がキーになる箇所が非常に多いのが特徴。メインとなる傾性音を使い分けています。

そして前2曲では「ソラ」が最高音でしたが、この曲ではついに高域である「レ」まで突入しています。コード編を学ぶと分かることですが、ここではメロディの着地にあわせてコードも着地していて、相乗効果を生み出しています。

ロビンソン サビ

ただ、コレで安定して終わっては一押し足りないだろうということで、最後にもう一つ上のミに裏声で行ってさらに情緒性を付加するという寸法。

ロビンソン サビ2

ここでは「レ」と「ミ」のカーネルの差もきっちり曲調に活きています。傾性のない安定音ミに到達したことで、文字どおり”引力”から解き放たれた宇宙的な高さが感じられます。


こうして声域区分法に基づいてメロディを観察すると、どの曲もABサビそれぞれの特徴の付け方、盛り上がりアイテムの配置が絶妙なバランスになっていることがわかります。

もちろんメロディを作るときにこんな細かいこと考えながら作っていたわけはなく、センスの賜物ですが、しかしその「センス」という言葉で片付けられていたものの正体を、理論はある程度解き明かすことができます。

私たちも、いざ作る時にこんなチマチマしたことを考えていては話になりません。メリハリのある構成、ドラマティックな展開、カーネルへの敏感な聴覚。そういったものを常から磨いていくことで、「良いものが自然と出てくる身体」にまで身体感覚を鍛え上げることが重要です。メロディ理論は、そのためのトレーニング器具なのです。

まとめ
  • 声域を一定間隔で区分してメロディを分析する「声域区分法」は、メロディの抑揚を解析・調整するにあたって便利な存在です。
  • それぞれの音程の持つカーネルを活かした配置が成されていると、曲想がよく伝わります。
  • 音域を意識的にコントロールすることで、盛り上がりを配分するセンスを高めていけます。
メロディ編 I章はここで修了です! おめでとうございます。次にどの編へ進むか、あるいは制作や分析の期間を設けるかを考えながら進んでください。

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